摘 要
克劳迪奥·蒙特威尔第(Claudio Monteverdi, 1567-1643),意大利作曲家,文艺复兴晚期与巴洛克早期间的重要过渡人物,这位承前启后的音乐大师,其创作架起了一座跨越两个时代沟通的音乐桥梁。他不仅构建了音乐戏剧的基础,还最早使用弦乐颤音及拨弦弹奏的音色效果,对歌剧、和声学和交响乐的发展都产生了深远影响,被誉为“近代歌剧之父”。从少年到中年、再到老年的蒙将正在联网识翻过半个世纪的时间里,始终醉心于牧歌的创作。其生前出版的《牧歌集》共有八卷,去世后的1651年出版了第九卷遗作,这一系列风格迭异的牧歌作品,记录了他一生风格变迁的全过程,也彰显着16到17世纪音乐形式演变的历史进程形成了这些时期，简练。
透过蒙特威尔第的牧歌作品,可以看到他作曲发展的脉络轨迹。无论是在小提琴制作重镇克莱蒙纳音乐濡染的青年时代,还是在群英荟萃的艺术重镇曼图亚的音乐家生涯,或是17世纪欧洲的歌剧重镇威尼斯的辉煌乐长时期,蒙特威尔第漏沐在它们的艺术风华中,韬光养晦并淬炼出完美的音乐创作。
全文分为:第一部分为蒙特威尔第生平及其牧歌创作综述,对蒙特威尔第生平进行简介以及对牧歌的发展历程及风格特点进行综述;第二部分为蒙特威尔第牧歌作品《海水在轻轻叹息》的音乐风格探析;第三部分为蒙特威尔第早期的牧歌创作风格及其特点
关键词：蒙特威尔第 牧歌 作品分析 创作风格
ABSTRACT
Claudio Monteverdi (1567-1643), an Italian composer, an important transitional figure between the late Renaissance and the early Baroque period, a music master who inherited the past and created a set that spanned two eras Communicating musical bridge. He not only built the foundation of musical drama, but also the earliest tones of vibrato and plucked strings, which had a profound impact on the development of opera, harmony and symphony, and was known as "the father of modern opera." From juvenile to middle-aged to old-aged Mongolians, they have been immersed in the creation of pastoral songs for half a century. There were eight volumes of "Anthology of Pastoral Songs" published before his death, and the ninth volume of his works was published in 1651 after his death. This series of pastoral songs with different styles recorded the whole process of his style change throughout his life, also highlighting 16 to The historical process of the evolution of music forms in the 17th century
Monte Verdi's pastoral works clarified the trajectory of the development of his composition. Whether it was in the youth of the violin production center Clemona's music, or the musician career of Mantua, a city of artistic talent, or the glorious period of Venice, the opera center of 17th century Europe, Monte Verdi In their artistic style, Leo Mu has cultivated and refined the perfect music creation. In all aspects of chromatic scale, vivid description, effect of color, recitation of single music, vocal solo skills or dramatic effects, Both can be called models, which established his master status in the field of idyll.
The full text is divided into: the first part is a summary of the life of Monteverdi and his idyll, an introduction to the life of Monteverdi and a summary of the development and style of the idyll; An Analysis of the Musical Style in Sighing Lightly; Part III is Monteverdi's early idyll writing style and its characteristics
Keywords：Monte Verdi Pastoral Analysis of the creative style
前 言 文章内容的概述
意大利作曲家克劳迪奥·蒙特威尔第(Claudio Monteverdi, 1567-1643),是“文艺复兴时期与巴洛克音乐流行时期之间一位重要的过渡性人物” 1, “他的创作可以被看作是从文艺复兴晚期通往巴洛克的一座重要的桥梁。”2这位承前启后的音乐大师,不仅是文艺复兴时期最后一位牧歌作曲家,也是巴洛克早期第一位歌剧作曲家,被视为欧洲歌剧的奠基人, “主要是由于他的努力,歌剧不仅脱颖而出,而且很快盛行起来。”
蒙特威尔第在西方音乐发展史上的地位,可以与同时代文学史中的莎士比亚相媲美。他不仅构建了音乐戏剧的基础,还最早使用弦乐颤音及拨弦弹奏的音色效果,改进完善牧歌创作。如果用同时代人的话来说,他似乎一下子使音乐这门艺术前进了五十年。他并不是简单地让几个声部交替演唱和修饰一下旋律,而是通过使用在这之前无人敢试的不谐和音丰富了和声。"研究作品，要提到作品而不仅仅是作曲家
一、蒙特威尔第生平及其牧歌创作综述
（一）蒙特威尔第生平简介歌剧少说，核心是牧歌创作！！！牧歌创作！！
蒙特威尔第1567年5月15日出生于意大利克雷莫纳。 早年在克雷莫纳天主教堂担任唱诗班歌手，很小就开始创作牧歌。16岁的时候，他已经成为一位优秀的器乐演奏者，并出版了一卷三声部的经文歌和一本宗教牧歌。1587年，他出版了第一卷非宗教牧歌，1590年出版了第二卷[1]。1592年，他的第三卷牧歌出版了，他的名声也随之在意大利迅速传开。蒙特威尔第的牧歌情意盎然，技巧纷陈，自成一完美的音乐世界。他眼界开阔、历练丰富以后，开始改造作曲规则，以求适才适性，悠游于这些小品形式中而享有更大自由。其音乐中某些效果突出的和声，足以令任何时代的爱乐者惊讶不已，因此许多人以“具有表达力的不和谐音”相称。歌剧占去蒙特威尔第绝大部分时间。他的搭档是裘里欧·史卓希[2]。这两人都对剧本和情节表现抱持坚定的理想。两人对文绉绉、典雅脱俗的语言同表鄙夷，只对角色的合理发展感兴趣。他们共同寻求音乐的真理，认为角色的本质要比一些不相干的音乐更具重要性。最重要的作品当属1607年创作的《奥非欧》。其中揉合了牧歌的要素，以及佛罗伦萨小厅集团的主音音乐观念。1637年，威尼斯第一座公众歌剧院投入使用，蒙特威尔第又创作了两部受人之托为歌剧院创作歌剧，《尤里西斯的归来》及《波佩亚的加冕》是其中保存至今的两部杰出作品。后者超越了三世纪的时空，正中二十世纪理论家的下怀。因为他要求的，正是剧中无论大小细节都必须服膺于简明的音乐性戏剧底下——把音乐与戏剧等量齐观的态势终于形成了。蒙特威尔第并不把歌剧看作为求表现歌手巧啭的歌喉、或者试验作曲家创制优美旋律的的能力，而随意将不相干的小品拼凑起来的大拼盘。 蒙特威尔第的歌剧及莎士比亚的戏剧，同是十七世纪前半叶的瑰宝，也同样是问题丛生[3]。包括编辑问题、他的真正意图、管弦乐团的理想状况、实际的表演情景、歌手们的表现等等。蒙特威尔第跨坐在文艺复兴与巴洛克时代交替的门槛上，然而“巴洛克盛期”乍到，又冲毁了这位伟大威尼斯作曲家所代表的乐派。我们必须记得，在蒙特威尔第的时代，有幸付梓的歌剧寥若晨星(因造价太过昂贵)，况且用以传播思想的机械构造不多，而对历史地位的看重，亦是后来才有的观念。遭人遗忘的苦果并非由蒙特威尔第一人独尝，因为在他那个时代，根本没人会以乐名而常驻人间。幸而今天鲜少有人会否认蒙特威尔第是第一位能以其音乐力量打动现代听众的作曲高手。1643年11月29日逝世于威尼斯[4]。
（二）关于牧歌的概述是关于蒙特威尔第创作的牧歌概述，下文偏离主题，不是意大利牧歌的概述，说意大利牧歌概述太多了。
14世纪的意大利牧歌多为抒情歌曲，有世俗性和宗教性两种类型，是复调性音乐体裁[5]。歌词多是田园诗、爱情诗或讽刺诗，以音节为单位与装饰性花唱交替而成，2-3个声部，每声部都有歌词，演唱时可加入乐器。上方声部是主旋律声部，低音是和声基础运用分解旋律的写法，在结束部分常用模仿和卡农手法，在15世纪消失。16世纪20年代，在意大利北部出现新型的意大利牧歌，其前身为主调风格的弗罗托拉，通常为四个声部，高声部由人声演唱，其他声部由乐器演奏。和声简单，采用分节歌式，歌词与音乐以音节式为主，歌词节奏进行较快，基本无加花拖腔和旋律润色，音乐风格活泼、明快。早期的牧歌作曲家在弗罗托拉的基础上选用彼特拉克、薄伽丘等名家诗歌为歌词创作意大利牧歌，极大地提高了艺术性。意大利牧歌是高雅诗歌与音乐结合的多声部世俗声乐体裁，大多有4-6个声部，题材以田园风格和爱情为主，力求表现诗歌的意象、情感等，成为16世纪意大利最重要的世俗音乐体裁。
意大利牧歌的发展分三个阶段，早期的意大利牧歌是根据弗罗托拉音乐特点在歌词选择、旋律、和声、结构、声部等方面探索形成;中期逐渐成熟，作曲主调与复调风格交替，声部增多，罗勒对和声进行半音化实验，启发和影响了后期的牧歌作曲家;晚期在成熟中达到高峰，成为高度精致的音乐作品。
早期的意大利牧歌（1520—1550）承接弗罗托拉的音乐特点并创新，通常只有一段的单诗节韵脚自由，织体以主调风格为主并交替复调，根据歌词确定主调与复调的织体安排，有少量的模仿复调手法，通谱体与歌词单诗节联系，常用绘词法进行音乐处理，注重对歌词的音乐表现。初期是三、四个声部，以四声部合唱居多，由业余歌手演唱[6]。代表人物阿卡代尔特，他的牧歌在主调风格上增添模仿对位和重叠的终止式，高声部旋律将歌词清晰地表达出来，注重对个别歌词做特殊的音乐处理。如《贵族洁白而温顺的天鹅》是一首优美抒情的爱情题材牧歌，前面部分是主调，最后一句“我愿意一天死一千次”中出现声部的模仿复调，每个声部模仿“死一千次”的旋律，用音乐对一个句子或一个词进行音画式描绘的绘词法运用，描绘了对爱情执着的意念，突出对歌词的音乐表现[7]。中期的意大利牧（1550-1580）在探索中成熟，主调与复调风格交替，4-6个声部增多，5个声部牧歌成为常规;对作曲技巧和表情进行更多探索是牧歌成熟阶段，代表作曲家有维拉尔特、罗勒、拉絮斯等。维拉尔特是最早写作五声部牧歌的作曲家，他对歌词细致的处理，直接影响到其学生罗勒。罗勒选用歌词讲究韵律节奏，善用旋律音型准确地传达歌词细节，确立模仿复调写作五部牧歌的规范。采用主调风格并大量运用复调手法，尝试变化音的运用，对半音化和声进行实践探索，音乐语言绚丽多彩，成为意大利牧歌大师，为意大利牧歌后期的繁荣发展奠定了基础。拉絮斯的牧歌创作技术高超，声部旋律和表现手段丰富，广泛采用民间歌曲的主题，在复调向主调写法进程中起到重要的作用[8]。晚期的意大利牧歌（1580-1620）在各方面的探索达到高峰，成为高度精致的音乐作品。牧歌创作更多的运用绘词法突出歌词的表现;和声半音化、大胆处理不协和音的音乐色彩对比;宣叙性节奏、音调的运用;声部变化多样，特别是单声部加伴奏的主调风格牧歌开创了巴罗克音乐的先河[9]。晚期的牧歌代表作曲家有马伦奇奥、杰苏阿尔多、蒙特威尔弟等。马伦齐奥出版有500多首世俗牧歌，他的牧歌多采用田园诗为歌词，音乐善用描绘性的绘词手法来表现词意、抒发情感，上方旋律声部突出，和声丰满，复调技法纯熟，以强烈的音乐对比表达情感和刻画细腻的形象，音乐抒情优美而富有歌唱性，被誉为“牧歌的舒伯特”。杰苏阿尔多出版有150多首牧歌，牧歌分别是1-5个声部。主调与复调织体交替，常通过半音、变化音和远关系突然转调引进强烈的不和协音造成尖锐的和声对比，将半音体系和声运用到极致;用音区对比、自由节奏、突然休止等来表现歌词的情感和内容，大胆地表现自己的感情和个性。牧歌旋律能感受到呼唤、热情、悲哀等情绪，把诗词细腻的情感变化在歌曲中表现出来。蒙特维尔第出版有8集牧歌，分别为1-8声部，前5集构成了文艺复兴时期牧歌最后繁荣的篇章，后3集预示了巴罗克时期音乐新风格的到来[10]。前4集牧歌继承和发展罗勒的牧歌风格，在第5集将朗诵性与歌唱性结合形成宣叙性风格的旋律并大量运用，音乐忠实于歌词的表现。主调与复调风格自然结合，和声富有表现力，自由地运用不协和音表达强烈的情感，音乐语言大胆具有激情风格，是意大利牧歌繁荣的精品之作，也是创作手法实践创新的典范。
意大利牧歌在16世纪末遍及欧洲，意大利牧歌出版乐谱大概2000多卷，足见当时人们对它的需求及喜爱，其不仅影响到了法国、英国、德国的牧歌与音乐发展，而且为康塔塔、歌剧提供了创作源泉。法国佛兰德作曲家蒙特是多声部牧歌大师，出版有1000多首世俗牧歌，音乐善于广泛运用模仿复调、音区和节奏对比、有表现力的装饰音，和某些朗诵的手法来刻画音乐形象。英国的约翰.威尔拜以卓越的英国牧歌作曲而闻名，受马伦齐奥牧歌的影响，在牧歌中结合抒情独唱歌曲的特点，运用动机反复模进，采用主调风格的歌曲式写法，清晰的上方声部旋律占据主导地位，其写作手法成为后世歌曲写作的范本[11]。德国的许茨在早年创作牧歌中受到加布里埃里牧歌风格的影响，将意大利合唱与牧歌声乐风格用于德国复调音乐中，将意大利音乐继承、发展到德国，成为在巴赫前的德国最杰出作曲家。牧歌与早期康塔塔联系紧密，康塔塔声乐部分由朗诵式的旋律或多旋律化的宣叙调组成后逐步转化为叙咏调，二段式咏叹调的萌芽是单声部牧歌结尾段落[12]。
蒙特维尔第创新的牧歌创作为意大利早期歌剧的成熟奠定了坚实的基础。他把牧歌变成独唱加伴奏形式，不仅关注歌词，更注重作品整体的戏剧性，主张音乐手法要服从戏剧需要，将牧歌和音乐会题材及戏剧性题材相融合，用一组牧歌描绘简单戏剧情节来创作戏剧牧歌。在蒙特维尔第的第四集牧歌中的《我失败了》，创造了分节变奏独唱咏叹调的典范。第八集牧歌中部分作品的和声采用数字低音形式，出现纯器乐作品[13]。蒙特维尔第既是文艺复兴时期最后一位伟大的牧歌作曲家，又是巴罗克早期意大利歌剧的奠基者之一。另外，杰苏阿尔多在牧歌创作中将半音体系和声运用到极致，使和声失去调性感，他的音乐预示200多年后半音和声的发展。所以，意大利牧歌发展成为文艺复兴世俗音乐中不可替代音乐体裁。
二、蒙特威尔第牧歌作品《海水在轻轻叹息》的音乐风格探析
（一）节奏特点分析
（三）旋律特点分析
（四）和声色彩分析
在《海水在轻轻叹息》这首作品中，蒙特威尔第在和声的写作中广泛使用不和谐音程，加强旋律的层次感。不协和音程以及半音的使用，加强了和声的功能性，创新了和声的色彩感。在乐曲的和声进行中，三度、六度等音程的连续使用，创造了一种朦胧而又平静的意境，突出了音响的个性色彩和唯美意味。音符与音符之间没有极为程式化的进行结构，但和声却极为饱满，音乐动力十足，音乐的进行更加均匀和流畅。《海水在轻轻叹息》这首作品中，蒙特威尔第摆脱中世纪宗教性质传统和声的束缚，对和弦的进行运用了崭新的观念。他不仅将多声部和声作为表达诗歌的最主要手段，而且利用各个声部不同的音色特点，从而突出和声运用的多样性和多元化特征。
1.和声的半音进行
在《海水在轻轻叹息》中，蒙特威尔第广泛使用半音进行，创新了和声使用的新方式。在乐曲的和声进行中，淡化和声的宗教色彩，突出音响的现实主义色彩感。蒙特威尔第认为，不协和音程以及半音的出现，会使得旋律与和声之间的关系更加均匀和自然，音乐的进行更加自然、流畅。从这个意义上讲，和声虽然在具备较强功能意义的同时，也强调了色彩感和进行感。在作品中，出现了许多卡农以及变化对位等复调作曲技法。从作品的纵向来看，音符与音符之间是半音关系，这样的和声进行，不仅加强了和声的功能性，更突出了平静和朦胧的色彩感，充实了和声的饱满度。在色彩性和声选择上，功能逻辑上的意外处理，其用法增强了音乐的动力，对描写乐曲意境起到一种衬托性的作用。从艺术的文化属性上讲，音乐的和声织体在艺术感知的立场上是没有功能性的，但是音乐作为一种抽象性的艺术，是依靠听觉来进行的，所以，音乐的色彩性也是决定音乐作品艺术质量的关键要素之一。
（谱例1：第16-25小节）
如谱例1所示：作品的第23小节-25小节的和声织体是运用了卡农模仿的写作技法。第16小节的女高二重唱中的♯F到G的半音进行，使得旋律产生较为明亮的色彩感，推动了主调旋律的进行。第17小节也是如此，半音的音程进行，更像是乐曲旋律的连接，加强了和声的色彩性质，强化了和声的色彩感。而第16-18小节小节的延留音，强调音色和音响的效果，同时使得乐句与乐句之间保持平衡感和稳定感。大胆的作曲技法以及非常规性的和声写作，使得和弦成为一个音乐片段，色彩性成为了乐曲中的最直接印象。
2.和声的不协和进行
在多声部作品中，各个声部音符与音符之间形成的不协和和弦的进行，是蒙特威尔第作品的又一写作技法。这一技法的应用打破了中世纪时古老的复调进行，将和声赋予了色彩性和旋律性。而蒙特威尔第在《海水在轻轻叹息》中，大量使用三度以及六度音程，导致纵向上的不协和和弦出现，不仅强调了音色效果，同时，将旋律性作为音乐进行的重中之重。纵向和弦是作为一个小的音乐片段，存在于音乐之中的对象，从而成为整个音画的重要组成部分。
（谱例2 ：第6-10小节）
如作品中谱例2 所示，第9小节中的不协和和弦（E♯FGB）的进行，将音乐的色彩性突出到极致，从而体现出蒙特威尔第的大胆与创新，同时也是《海水在轻轻叹息》这部作品的特色之处。将作品的五个声部之间进行相互融合的写作手法,以四四拍的节奏及优美舒畅的旋律来表达音乐结构的呼应与统一,在作曲家创新及敏锐的音乐感知下,将作品赋予了更为独特的平静和优雅的色彩，为曲子增添了平静的静谧感和唯美的色彩，突出了主题形象。
（五）曲式结构分析
音乐作为精神意象的载体，必然承载着作曲家对现实生活主观态度的反映，能动地反映着生活。《海水在轻轻叹息》作为特定时期的文化符号，在漫长的历史长河中，浸润了独有的文化意义和审美价值。霍华德·墨菲在其《艺术即行为，艺术即证据》一文中提出：“将艺术作为人类行为的一部分，以及文化的证据的理论。”[ 霍华德·墨菲《艺术即行为，艺术即证据》载于李修建选编《国外艺术人类学读本》，中国文联出版社2016年版，第 213 页。
由此，谱例再次被转变成有意义的符号，于是这些符号将成为“历史事实”，它们可以被纳入对长达若干世纪之久的古老历史的叙述之中。因此，我们要想对歌剧《海水在轻轻叹息》建立一个宏观性的整体认知，就必须将音乐和文化相结合，把音乐和文化看做一个不可分割的整体，从“音乐形态”出发。
《海水在轻轻叹息》的旋律简约而不简单，音乐语言的交织影响着歌曲的风格韵味和旋律特点，极具复调性质的语言声韵。歌剧采用的曲式结构是三段体的曲式结构，分为以下三个部分：A段、B段、C段。
牧歌的第一部分是A段，第1- 26小节。作品采用的调式调性为C利底亚调式，升高了四级。作品的第1小节，男高音的极弱的吟唱给出了整首作品的乐思和动机，为整首乐曲的开始做准备和铺垫，烘托了一种较为静谧的氛围。第3小节处，女低声部和男低声部加入，形成了三个声部的交织吟唱，突出了作品结构的对位性质。五个声部之间相互转换，和谐而又统一，直到第10小节，五个声部第一次一起发声。立体性的音色呈现，较弱音量的诗歌吟唱，使得作品具有一种和谐、安静的氛围。五个声部的音符跳动在强调主题呈示的同时，又追求和声性，加深主题材料印象。
第二部分B段，第27-67小节。这一乐段是整首牧歌作品的B乐段，与A乐段有着对比的关系，将作品的情感推向高潮。活跃的声部重唱，使得作品更加具有进行感和推动力，声部之间相互呼应。句首旋律的级进进行，拉开了主题旋律的帷幕，优美的歌唱和跳动的音符构成了一幅唯美的画面。安静的伴奏和附点音符的有效结合，犹如海面上的波浪层层推进，像是在用音符来描绘一幅海上画卷。交替的声部对唱，推动着作品进行的步调，同时有利于高潮部分情感的推动。声部之间的变化对位，使得乐曲具有和声的丰盈性和饱满性。旋律最后结束在主和弦上，有较强的停顿感和终止感。
第三部分是C乐段，第68-91小节，此部分是对唱，乐曲节奏依然为四四拍，较弱音量的旋律吟唱以及长音符的搭配，将诗歌的意蕴表达得淋漓尽致，音乐的进行也变得舒缓起来。女高音一声部和男高音声部领衔者主旋律的推进，四分音符和八分音符慢慢向前推进，将高音声部衬托得更加舒缓和安静。女高二声部、女低声部、男低声部大都是长音进行，将作品推向了更加感性和平静的场景之中。四拍子的强弱规律以及五个声部的演唱，对突出乐曲性格起到了烘托作用。虽然看似是低密度的平静环境，但五声部则似娓娓道来，有效地推动了情绪的进行，从而将作曲家内心深处的情感表露出来，达到情感的升华和聚集。例如谱例3中，第72小节处开始，女高二声部和男高声部互为反向对位，在扩大音域的同时，声部之间更为饱满。变化却有关联的对比，使得乐曲更富有进行感。五个声部完美地交织与融合在一起，体现出了格外静谧的海面风光，将自然景物进行了生动地刻画与阐释，使得作品具有推动性的色彩感和和谐感，并不会单一和乏味，反而具有更大的张力，推动着作品的发展，显现出作品更为丰富的表现手法，有利于整首作品的完整和统一。
（谱例3：第71-80小节）
从整体上来看，牧歌用三段式的曲式结构，高超的音乐语汇以及优美和谐的旋律与和声织体，将牧歌作品中的音乐传达完美地进行呈现，展示出有别于它者的作曲技能，同时也将作曲家心中的审美思想展现得淋漓尽致。作曲家寄情感于自然景物，将海面风景的静谧与平静汇入音乐语言之中，呈现出自己独特的现实主义精神，中规中矩中带有些许“叛逆”，半音化和弦以及音乐色彩上的对比，敢于打破中世纪的禁欲主义，将牧歌作品中的多声部思维赋予了更高的艺术魅力和人文主义色彩。
三、蒙特威尔第早期的牧歌创作风格及其特点第二块的基础上的总结，蒙特威尔第早期牧歌创作风格。
16世纪的意大利牧歌,作为早期西方音乐史中重要的世俗声乐体裁,在文艺复兴运动及人文主义精神的影响下,极大地推动了音乐对歌词的描述性理念,其音乐结构与文学诗歌巧妙结合的艺术形式,在历史长河中散发出独特光芒。牧歌这种体裁给了作曲家一个很好的用音乐表达情感的平台，而牧歌歌词中有强烈表达人类情感的语汇，优美，美、热情、充满人文主义的气息激发着作曲家们的灵感,正是在这种力量的驱使下,他们尝试用新的作曲技法实现他们的情感在音乐中的表现[14]。“(牧歌)最人为雕琢的,然而对于富有理解力的人来说,是最悦耳动听的。因此,如果你要创作这类音乐,你必须具有爱心, ..因此你的音乐必须像风一样摇摆,有时始闹、又是消沉、有时庄严稳重、有时柔弱娜娜 要极尽变化之能事,花样越多,你就越能取悦于人。“从社会艺术学角度看,意大利牧歌越来越充满社会生活色彩,越来越完满的展现人世间关好的情感,使音乐创作与整个社会文化及其他艺术紧密结合;同时意大利牧歌从根本上打破了宗教音乐那种处处受教会束缚的感情表现,真正把音乐家的气质、个性、才能提升到重要的位置,从侧面证明了文艺复兴这个时代是巨人和杰作辈出的时代,是欧洲艺术史上的一个辉煌时代"。蒙特威尔第的音乐标示着一种转型时期的风格--从古老的复调音乐过渡到富有戏剧色彩与旋律性的和声民族文化有着不可推卸的责任[15]。
从第一卷出版于1587年的《牧歌集》到最后一卷在1638年的发表,从少年到中年,再到老年,蒙特威尔第在半个世纪的时间里始终醉心于牧歌创作。他一生写下的牧歌作品风格迭异,无论是在小提琴制作重镇克莱蒙纳音乐濡染的青年时代,还是在群英荟萃的艺术重镇曼图亚的音乐家生涯,或是17世纪欧洲的歌剧重镇威尼斯的辉煌乐长时期,蒙特威尔第濡沐在它们的艺术风华中,韬光养晦并淬炼出完美的音乐创作[16]。九卷《牧歌集》奠定了他在牧歌领域的大师地位,在半音阶倾向、生动的描写讲求色彩的效果、朗诵的单音乐曲、声乐独唱的精湛技巧、戏剧效果各方面,都堪称典范。蒙特威尔第的牧歌作品,显示出了他精通16世纪才的牧歌技巧,有着将主调和复调声部天衣无缝结合的写作手法,以明快的节奏旋律及音质优美的弦乐器来表达音乐结构的均匀对称,在其敏锐的音乐触觉下,呈现了独特的轻松诙谐感和鲜明的优雅特色。蒙特威尔第粗犷奔放的个性,流露在令人惊诧的色作手法上,夸张的田园气氛和隐约闪烁的色情意味表现的浑然天成。对歌词忠实的反映,自由运用富有表现力的和声和不协和音程,音乐动机以宣叙调样式的朗诵性的,将低音部作为和声支持的二重唱,将即兴表演中允许应用的装饰性不协和音及装饰音现写进总谱内。开使用强乐颤音及拨弦弹奏的音色效果之先河,精心选择声乐俏奏乐器组合,以期加重情绪的表达。在和弦使用方面,事特威尔第率先使用没有预备音的属七和弦,以及其他不协和音的和弦,使16世纪的复音风格自单音音乐中独立出来,他以一种极其自信的姿态,参与了将牧歌转化为中全新体裁的进程,朝着17世纪的新风格转移挺进,蒙特威尔第粗犷奔放的个性,流露在令人惊诧的创作手法上,夸张的田园气氛和隐约闪烁的色情意味表现的浑然天成。对歌词忠实的反映,自由运用富有表现力的和声和不协和音程,音乐动机以宣叙调样式的朗诵性的,将低音部作为和声支持的二重唱,将即兴表演中允许应用的装饰性不协和音及装饰音现写进总谱内。开使用弦乐颤音及拨弦弹奏的音色效果之先河,精心选择声乐伴奏乐器组合,以期加重情绪的表达。在和弦使用方面,蒙特威尔第率先使用没有预备音的属七和弦,以及其他不协和音的和弦,使16世纪的复音风格自单音音乐中独立出来,他以一种极其自信的姿态,参与了将牧歌转化为一·种全新体裁的进程,朝着17世纪的新风格转移挺进。蒙特威尔第生前出版的八卷《牧歌集》收集了他在五十多年的音乐创作中,除歌剧和宗教音乐以外,两百多部在牧歌名下可拓展归属于全部世俗音乐范畴的作品。通过这些作品,我们不仅可以明晰蒙特威尔第的作曲发展轨迹脉络,而且可以了解各种风格的创作基础和作曲方式的演变历史。同时,文艺复兴晚期和巴洛克初期的时代经历,也对蒙特威尔第的世界观和音乐创作产生着巨大的影响。这种转变在他的牧歌中呈现出多样的变化,蒙特威尔第一生共创作了两百多首牧歌,可谓多姿多彩、风格各异。但也的牧歌风格可以归纳为以下几个方面[17]。
调式:蒙特威尔第收歌的大多数作品中,没有按照调式的整体性原则去作曲,常常在开始和结尾时是同一个调式,而中间可能用的是其他的调式。当通过眼睛而不是耳朵去研习其作品的调式时,结尾处移掉或添加一个或两个音符来而让乐曲以其他音符终止,会认为出现了一个突然的调式,他打破了调式的纯洁性、单一性和整体性。
旋律:克莱蒙纳时期传承了老师因杰涅里的曲风传统,形成经文歌式的牧歌构建模仿,但注重旋律线条的悠长,基本上是用来吟唱诗歌的曲调,淳朴灵长的旋律置于均衡的歌曲结构中。曼图亚时期开始有向基础低音的转变,用一个终止式和通常是两个长音符来突出每一行的结束,是情感表达的短暂收束或中断。具体做法是将宣叙调的旋律线条拉长,使其具有歌唱性,并与短小的歌曲二重唱和牧歌式的重唱交替,形成对比[18]。威尼斯时期作品旋律则常常是短小动机的连续,音域宽广开阔,情感幅度有了较大较深的扩展。
和声:和声新颖、色彩丰富。克莱蒙纳时期作品多使用比较和谐的和声,通过临时转调来增强和声色彩的对比和变化。曼图亚时期技术上的复杂性已大大超越了既有的宗教复调技术,并表现出对传统复调技艺的摈弃减音程、大跳进和半音化,如不作正规准备式解决的七度音与九度音等,几个低声部提供和声基础,几乎全部由三度和根音位置上的三和弦相对峙而构成。而威尼斯时期创作中则采用较多的、复杂和不和谐的和声写法.调性转换频繁,如同名大小调的交替频换、歌唱声部与·伴奏声部的双调性。此外在篇幅和情感幅度上,和声也做了较大的扩展。
歌词:注重音乐为歌词服务,多为单段体,格调高雅严肃,大半取自同时代名家名作,如采用了许多塔索和瓜利尼的诗篇。其囊括各种诗歌类型,韵律、节奏较为自由,充满强烈的世俗精神。
织体;采用包含几个相似的对位人声声部的典型织体,独唱与合唱位置相对位,抑或不同音量、音色和音域声部对位的配乐伴唱,对诗节的处理自由,运用多种多样的织体乐汇,在声部叠置的段落,主调侵入各种复调写作形式。
节奏:调式体系范围内的协和音与不协和音的交替作为支柱节奏及相对稳定,基本节奏是alla breve (22拍子)的双拍子,它有时与和三成比例的拍子交替出现。
伴奏:采用较大规模的乐器伴奏,维奥尔琴、维奥林诺以及弦乐和键盘乐器,并通过弦乐器的震音、拨弦及不协和和声的运用造成强烈的戏剧性效果。蒙特威尔第以其超凡的戏剧和形象化的表现能力,用牧歌把其音乐世界的意境和激情传递给听众。他的牧歌作品中,如画的、富有表情的笔触,半音异常变化,以及合唱的华丽音响,都表明他追求音乐的生动外在表现的冲力。
结 语
16世纪的意大利牧歌,早期西方音乐史中重要的世俗声乐体裁,其演变轨迹折射出人文主义精神的万丈光辉,其发展为意大利后几个世纪的音乐繁荣奠定了坚实的基础,是“意大利艺术的最灿烂的成就之一”,在历史的长河中散发出独特光芒。蒙特威尔第,作为文艺复兴时期最后一位伟大的牧歌作曲家,这位“文艺复兴时期与巴洛克音乐流行时期之间的过渡人物”,其本人及音乐作品经受着巨变的时代交替和风格传承。这位承前启后的音乐大师,他的创作构建起了一座跨越两个时代沟通的音乐桥梁。自小蒙特威尔第只要心所向往,必定能将之谱成曲。从少年到中年、再到老年,蒙特威尔第在超过半个世纪的时间里,始终醉心于牧歌创作,九卷《牧歌集》记录着他一生风格变迁的全部过程,也彰显着16到17世纪音乐形式的转变历程。因此,对蒙特威尔第牧歌的研究,正是对这位跨坐在文艺复兴与巴洛克时代交替门槛上的音乐家,其整个人生经历和创作风格所做的一个通观研究。
文艺复兴晚期和巴洛克初期的时代背景,对蒙特威尔第的世界观和音乐创作理念产生着巨大的影响,时代转变在其牧歌作品中呈现出风格迭异的变化。无论是在小提琴制作重镇克莱蒙纳音乐濡染的青年时代,还是在群英荟萃的艺术重镇曼图亚的音乐家生涯,或是17世纪欧洲的歌剧重镇威尼斯的辉煌乐长时期,蒙特威尔第濡沐在它们的艺术风华中,韬光养晦并淬炼出完美的音乐创作。使得其音乐如今听来依然激越、聪灵,蕴含人性,富于浪漫色彩。可以说,牧歌艺术由于蒙特威尔第而发展到了顶峰,其牧歌作品包含了现代和声语言、音乐戏剧风格和描绘性交响乐的萌芽。
蒙特威尔第个人的表现力,替代了15世纪从哥特式音乐家继承而来的概括形式的表现力,从某种程度上讲,他将牧歌孕育成为一种新的艺术。蒙特威尔第的音乐,显示出了他卓尔不凡的作曲技巧,有着将主调和复调声部天衣无缝结合的写作手法,以明快的节奏旋律及音质优美的弦乐器来表达音乐结构的均匀对称,其敏锐的音乐触觉下,呈现了独特的轻松诙谱感以及鲜明的优雅特色。其牧歌创作的手法堪称完美,在丰富的情感表达之上,始终不渝的在思考中探寻突破和变化,炉火纯青的作曲技艺是他能将其探索性的情感置藏于作品表面的连贯性之下,也让他能够在其他音乐作品中融入更多的、更丰富的情感语汇。
蒙特威尔第文艺复兴晚期和巴洛克初期的时代背景,对蒙特威尔第的世界观和音乐创作理念产生着巨大的影响,时代转变在其牧歌作品中呈现出风格迭异的变化。无论是在小提琴制作重镇克莱蒙纳音乐濡染的青年时代,还是在群英荟萃的艺术重镇曼图亚的音乐家生涯,或是17世纪欧洲的歌剧重镇威尼斯的辉煌乐长时期,蒙特威尔第濡沐在它们的艺术风华中,韬光养晦并淬炼出完美的音乐创作。使得其音乐如今听来依然激越、聪灵,蕴含人性,富于浪漫色彩。可以说,牧歌艺术由于蒙特威尔第而发展到了顶峰,其牧歌作品包含了现代和声语言、音乐戏剧风格和描绘性交响乐的萌芽。
蒙特威尔第个人的表现力,替代了15世纪从哥特式音乐家继承而来的概括形式的表现力,从某种程度上讲,他将牧歌孕育成为一种新的艺术。蒙特威尔第的音乐,显示出了他卓尔不凡的作曲技巧,有着将主调和复调声部天衣无缝结合的写作手法,以明快的节奏旋律及音质优美的弦乐器来表达音乐结构的均匀对称,其敏锐的音乐触觉下,呈现了独特的轻松诙谱感以及鲜明的优雅特色。其牧歌创作的手法堪称完美,在丰富的情感表达之上,始终不渝的在思考中探寻突破和变化,炉火纯青的作曲技艺是他能将其探索性的情感置藏于作品表面的连贯性之下,也让他能够在其他音乐作品中融入更多的、更丰富的情感语汇。
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